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Arrecife de las Músicas es un festival que acoge, desde 2003, el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria, y que supone una cita con sonidos provenientes de todos los rincones del planeta. En 2011, el festival presenta su IX edición entre los días 27 de mayo y 20 de junio.

Arrecife de las Músicas es otro de los proyectos culturales que apoyan la candidatura de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria a la Capitalidad Cultural 2016. No, en vano, por sus diferentes ediciones han pasado todo tipo de artistas y estilos musicales, provenientes de las más diversas culturas y rincones. Rock, pop, flamenco, jazz, bossa, blues, música étnica, son sólo algunos de los muchos estilos que se han podido disfrutar a lo largo de estas nueve ediciones, representados por músicos de tanto renombre como Elvis Costello, Ray Davies, José Mercé, Mayte Martín, Argentina, Pat Metheny, Fito Páez, Hank Jones, John Mayall, Aziza Mustafá Zadeh, Diego ‘El Cigala’, Dino Saluzzi, Miguel Poveda, Toquinho y María Creuza, Maria Joao, Perla Batalla, Trilok Gurtu, Jean-Luc Ponty, Maria Bethania, Andreas Vollenweider, Michel Camilo o Kronos Quartet entre otros.

Muchos son los artistas que han pasado por las diferentes salas del Alfredo Kraus, pero podemos afirmar sin pudor que la edición que nos ocupa es legendaria, pues nos visitan cuatro leyendas del mundo de la cultura, de las artes y de la música: Donovan, Patti Smith, Ben Sidran y Manzanita, a través del homenaje que le dedica su propio hijo José Ortega.

JOSÉ ORTEGA

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José Ortega ha heredado de su padre, el gran Manzanita (1956-2004), la habilidad para tocar la guitarra; por lo que no resulta extraño que su primer trabajo en solitaio, Como Piel de Manzana, sea un homenaje al desaparecido maestro. Con tan solo siete años, José empezó a tocar la guitarra y a los trece formó parte de la banda de directo de su padre. En 1998 Manzanita lo presentó como solista en el disco en directo Por tu Ausencia, con el tema No me lo creo. A partir de este disco colabora en los siguientes de Manzanita, grabando coros, guitarras y percusiones.

Tras la desaparición de su padre, nació el proyecto Con Piel de Manzana, que recoge la necesidad colectiva que de los fans de Manzanita. Esta necesidad no se traduce en el mero hecho del reconocimiento y del prestigio, puesto que es algo que a Manzanita le sobra. Es más una muestra de respeto a todo lo que Manzanita ha significado en la música latina en los últimos 30 años. Todo el mundo tiene claro que él es el verdadero padre del nuevo flamenco. José Ortega recopila en este trabajo los grandes éxitos de su padre, tales como: Un ramito de violetas, Verde, que te quiero verde, Gitana, Por tu ausencia, y muchas otras, sin perder la esencia original, pero dándole un aire más personal. Al ser su primer trabajo en solitario, ha querido rescatar esas canciones que en su día llegaron al corazón de tantas personas.

Y para que tengamos una clara perspectiva de tan merecidísimo homenaje, nos permitimos aportar una breve biografía del gran maestro del flamenco.

José Ortega Heredia, más conocido como Manzanita era hijo del cantaor y bailaor Rafael Ortega García y de la bailaora Trinidad Heredia Jiménez, así que, desde muy pequeño, siempre se movió en ambientes artísticos. Su primera guitarra fue un regalo de Reyes Magos cuando sólo era un niño, y, tan sólo seis meses después, ya estaba debutando en un local madrileño en el que actuaba su madre, el Zambra. En 1978, animado por su amigo y productor José Luis de Carlos, Manzanita publicó su primer disco en solitario, titulado Poco Ruido y Mucho Duende, y en el que está incluido su éxito Verde, un tema en el que el maestro flamenco puso música a un poema de Federico García Lorca. Su voz rasgada y su virtuosismo tocando la guitarra le convirtieron en el creador de un nuevo sonido dentro del flamenco.

DONOVAN

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Donovan Leitch es un poeta, compositor, cantante y guitarrista escocés que emergió como músico folk a mediados de la década de los sesenta. Sus composiciones y sus letras le valieron el apelativo de “el Bob Dylan británico”, aunque no tardó en librarse de la sombra del famoso cantautor americano y convertirse en todo un referente de la psicodelia de finales de los sesenta y principios de los setenta.

Su estilo -una personal mezcla de jazz, folk, rock y música étnica- fue de gran influencia para muchos artistas de la época. El ejemplo más sorprendente de esta influencia lo tenemos en John Lennon, Paul McCartney y George Harrison: The Beatles, cuyas sensibilidades se vieron afectadas por la peculiar manera de tocar la guitarra que tenía Donovan (valgan como muestra Blackbird, Dear Prudence o Julia, todas ellas compuestas a partir de una manera de arpegiar que él enseñó a The Beatles).

Aunque durante la mayor parte de los años ochenta Donovan desapareció del mundo discográfico, nunca dejó de escribir canciones. Con más de un centenar a sus espaldas, su regreso en 1996 con el disco Sutras, bajo la batuta del célebre productor Rick Rubin, estaba plagado de referencias a la meditación, al budismo y a la naturaleza, y sorprendió tanto al público como a la crítica. Entre sus trabajos más recientes destaca Beat Cafe (2004), un trabajo que supuso un homenaje al movimiento beatnik y con el que Donovan firmó un disco muy personal.

En los últimos años Donovan ha publicado además un doble DVD (Try for the Sun, The Journey of Donovan) en el que se incluye material de actuaciones en los sesenta, imágenes de archivo nunca vistas. También publicó recientemente su autobiografía, The autobiography of Donovan: The Hurdy Gurdy Man, con la editorial Arrow Books. Donovan ha sido, además, galardonado con mutitud premios en reconocimiento a su continua aportación a la música, la literatura y la poesía, entre los que destacan un “Doctorado Honorífico en Letras” por la Universidad de Hertfordshire, el título de “Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de la República Francesa”, el “Premio al Gran Visionario” del American Visionary Art Museum (AVAM), o la nominación en 2010 para formar parte del famoso “Rock and Roll Hall of Fame”.

PATTI SMITH

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Arte. Quizás sea éste el sustantivo que mejor defina a Patti Smith, una mujer que ha sabido imprimir su profunda pasión en todas las vertientes artísticas a su alcance: música, artes plásticas y visuales, poesía, prosa.

Patricia Lee “Patti” Smith nació en Chicago, a finales de 1946, y ya desde pequeña mostró un creciente interés por las artes y los asuntos relacionados con los derechos humanos. Su historia comenzó cuando se mudó a Nueva York y conoció al fotógrafo Robert Mapplethorpe, con el que mantuvo una intensa relación, y en quien se apoyó para el desarrollo de su carrera artística.

Junto a otro de los grupos más innovadores e influyentes de la época, Television, el trío de Patti Smith ayudó a abrir una escena musical, hasta la fecha restringida a unos pocos, cuya actividad se centró, sobre todo, en el famoso club -hoy desaparecido- CBGB de Nueva York. Ocho semanas consecutivas en esta sala motivaron a la apliación del trío. Con esta formación la descubrió Clive Davis, que la fichó para su sello Arista, con el que Smith grabó ocho discos, incluída la que es considerada su obra clave, Horses (producida por John Cale).

La Madrina del Punk, como muchos la llaman, aportó al género un punto de vista nuevo, feminista e intelectual a través de su particular fusión entre el rock y la poesía. Sus alusiones introdujeron la poesía francesa del siglo XIX.

En 2007, Patti Smith fue nombrada miembro del prestigioso Rock And Roll Hall of Fame, una ceremonia en la que dedicó este prestigioso premio a la memoria de su desaparecido marido, Fred “Sonic” Smith. En la primavera de ese mismo año un nuevo cd de versiones, titulado Twelve, fue publicado en Columbia Records. En el disco estaban los miembros de la banda Lenny Kaye, Jay Dee Daugherty, Tony Shanahan y Jackson Smith, además de la participación especial de otros artistas como Flea, Tom Verlaine, Rich Robinson o Sam Shepard.

Tanto trabajo ha recibido el merecido reconocimiento, ya que Smith ha obtenido varias nominaciones a los premios Grammy, y ha sido galardonada con el Torino Poetry Award, además del Premio Tenco Awards en Italia, y, en 1975, recibió el premio Grand Pris du Disque de la Academie Charles Cross en Francia por la grabación de Horses. Patti también recibió la el prestigioso premio Women of Valor Award en la Rockrgrl Music.

BEN SIDRAN

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Lo de esta noche tiene algo de mágico, algo de especial. Nos visita uno de los grandes compositores y pianistas del jazz, aunque quizás se le conozca más por ser el autor del éxito de ventas Space Cowboy, de Steve Miller. El americano Ben Sidran tiene a sus espaldas una larga carrera como pianista, compositor y productor, durante la cual ha grabado más de veinticinco discos en solitario -incluyendo una nominación al Grammy por Concert for García Lorca- y cruzado sus pasos con artistas de la talla de Mose Allison, Eric Clapton, Van Morrison, Diana Ross, Joe Hendricks o, más recientemente, Jorge Drexler.

Ben Sidran es un pluriempleado del jazz. Compositor, pianista, cantante, periodista, escritor, humanista y productor, todas éstas facetas que despempeña con cariño de manera brillante. Sus trabajos nos acercan a un músico abierto, con mucho sentido del humor y preocupado en que el jazz sea una criatura con vida propia, cercana al oyente. Sus libros, uno de entrevistas a grandes figuras del género (Talking Jazz), y otro acerca de la historia cultural de la música (Black Talk), resultan imprescindibles para los aficionados.

Dylan Different es una auténtica joya. Una apropiación muy debida de algunas de las más famosas canciones del cantautor americano; un puente tendido entre el folk y el jazz que sirve para acercar a seguidores de uno y otro mundo. Y es que hay que ser muy atrevido para afrontar un proyecto sobre la obra de Dylan. Mantener el respeto por el trabajo de una de las leyendas vivas más importantes de la historia de la música contemporánea e intentar, al mismo tiempo, que la propuesta sea fresca y entretenida, no resulta tarea sencilla. Pero basta una primera escucha a Dylan Different para darnos cuenta de que a Ben Sidran no le ha costado dar con la fórmula para adaptar su personal estilo a las letras de Bob y la esencia de su música.

No deja de ser irónico que Sidran, un declarado seguidor de la música de Dylan desde su primer disco, haya rendido, desde el jazz, este homenaje al cantautor, mientras que Dylan, un declarado seguidor de músicos de jazz, pincha en su programa de radio algunas de las composiciones de Sidran. ¿Llegará Bob a poner algún día uno de sus propios temas re-interpretado por el pianista americano?